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Los dientes de castor 'utilizados para tallar la estatua de madera más antigua del mundo'

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Con una antigüedad de 11.000 años, con un mensaje codificado dejado por un hombre antiguo de la Edad Mesolítica, el ídolo de Shigir es casi tres veces más antiguo que las pirámides egipcias.

Nuevos hallazgos científicos sugieren que las imágenes y los jeroglíficos de la estatua de madera fueron tallados con la mandíbula de un castor, con los dientes intactos.

Originalmente excavado en una turbera por mineros de oro en los Montes Urales en 1890, el notable ídolo de siete caras se exhibe ahora en un sarcófago de vidrio en un museo en Ekaterimburgo.

Hace dos años, los científicos alemanes salieron con el ídolo con 11.000 años.

En una conferencia en la que participaron expertos internacionales celebrada en la ciudad esta semana, el profesor Mikhail Zhilin dijo que la estatua de madera, originalmente de 5,3 metros (17,4 pies) de altura, estaba hecha de alerce, con el sótano y la cabeza tallados con herramientas facetadas de silicona.

"La superficie se pulió con un abrasivo de grano fino, después de lo cual se talló el adorno con un cincel", dijo el experto.

'Se usaron al menos tres, y tenían diferentes anchos de hoja.

Las caras fueron "las últimas en ser talladas porque, aparte de los cinceles, se utilizaron algunas herramientas muy interesantes, hechas de mitades de mandíbulas inferiores de castor".

Dijo: 'Los castores se crean para tallar árboles. Si afila los dientes de un cortador de castor, obtendrá una herramienta excelente que es muy conveniente para tallar superficies cóncavas '.

"Esta es una obra maestra, con un valor y una fuerza emocionales gigantescos". Imágenes: The Siberian Times, Svetlana Savchenko

El profesor ha encontrado una "herramienta" hecha con mandíbula de castor en otro sitio arqueológico, Beregovaya 2, que data del mismo período.

Al estudiar el ídolo, creía que la herramienta es consistente con sus marcas, "por ejemplo, al hacer agujeros más circulares", dijo Svetlana Panina, jefa del departamento de arqueología del Museo Regional de Historia Local de Sverdlovsk.

El ídolo fue puesto en un sótano de piedra, no excavado en el suelo, dijo Zhilin.

Permaneció así durante unos 50 años antes de caer en un estanque, y luego se cubrió de césped.

La turba lo conservó como en una cápsula del tiempo.




Es una escultura única, no hay nada como esto en el mundo. Imágenes: The Siberian Times

Zhilin, investigador principal del Instituto de Arqueología de la Academia de Ciencias de Rusia, ha hablado anteriormente de su 'sentimiento de asombro' al estudiar el ídolo, más del doble de antiguo que los monumentos de Stonehenge en Inglaterra.

"Esta es una obra maestra, que tiene un valor y una fuerza emocionales gigantescos", dijo.

'Es una escultura única, no hay nada como esto en el mundo. Es muy vivo y muy complicado al mismo tiempo.

'El adorno está cubierto con nada más que información encriptada. La gente estaba transmitiendo conocimientos con la ayuda del ídolo '.

Solo una de las siete caras es tridimensional.

Si bien los mensajes siguen siendo "un misterio absoluto para el hombre moderno", estaba claro que sus creadores "vivían en total armonía con el mundo, tenían un desarrollo intelectual avanzado y un mundo espiritual complicado", dijo.

El ídolo de Shigir es casi tres veces más antiguo que las pirámides egipcias. Imágenes: The Siberian Times


Siberia 9.000 a.C.: secretos revelados sobre cómo se tallaron los jeroglíficos en la estatua más antigua del mundo

El enorme ídolo de Shigir, conservado durante más de 10.000 años en Siberia, fue tallado con instrumentos que incluían dientes de castores, según han descubierto los científicos.

El ídolo data del período Mesolítico. Fue descubierto por primera vez en 1894 durante la investigación de la región de Shigir de los Montes Urales de Siberia.

Con una altura de 5,3 metros, la estatua de madera tiene siete caras: una tallada en tres dimensiones en la parte superior y seis más en el cuerpo y las piernas del ídolo.

Los científicos han estado trabajando para descubrir las herramientas utilizadas para tallar la forma y las marcas del ídolo. Las siete caras del ídolo fueron las últimas en ser grabadas, y fueron las creadas con los instrumentos más insólitos.

"Se utilizaron algunas herramientas muy interesantes, hechas de mitades de mandíbula inferior de castor", dijo al Siberian Times Mikhail Zhilin, del Instituto de Arqueología de la Academia de Ciencias de Rusia, que ha estado investigando las tallas.

Los dientes de los castores son la herramienta ideal para tallar madera, dijo Zhilin. Después de todo, esto es lo que hacen los animales a lo largo de su vida para construir sus represas.

"Si afila los dientes de un cortador de castor, obtendrá una herramienta excelente que es muy conveniente para tallar superficies cóncavas".

Aunque tiene 11.000 años, se cree que la estatua tuvo una vida relativamente corta como ídolo de pie. El alerce que lo hizo tenía unos 160 años cuando fue talado. Luego, la madera fue tallada en forma antes de colocarla en una base de piedra. Luego permaneció de pie durante solo 50 años antes de caer en una turbera.

Este pantano creó las condiciones ideales para preservar la estatua de madera. Las turberas son típicamente muy bajas en oxígeno y son ácidas, matando cualquier microbio que descomponga la estatua y la pudra.

El ídolo de Shigir se encuentra actualmente en exhibición en el Museo Regional de Costumbres Locales de Sverdlovsk en la ciudad de Ekaterimburgo en Siberia.

El ídolo de Shigir fue desenterrado en Siberia en 1984. Siberian Times

"Esta es una obra maestra, que tiene un valor y una fuerza emocionales gigantescos", dijo Zhilin.

"Es una escultura única, no hay nada como esto en el mundo. Está muy vivo y es muy complicado al mismo tiempo".

Aunque se está dilucidando el método utilizado para hacer las tallas, el significado de las mismas sigue siendo en gran parte misterioso.

"El adorno está cubierto con nada más que información encriptada. La gente estaba transmitiendo conocimientos con la ayuda del ídolo".

Estas tallas se hicieron con objetos afilados, incluidos dientes de castores. Tiempos de Siberia


Los buscadores de oro descubrieron por primera vez el llamado Shigir Idol en el fondo de una turbera en la cordillera de los Urales de Rusia en 1890. El objeto único: un tótem de nueve pies de alto compuesto por diez fragmentos de madera tallados con caras, ojos y extremidades expresivas y decorado con patrones geométricos: representa la obra de arte ritual de madera más antigua que se conoce en el mundo.

Los cazadores-recolectores en lo que ahora es Rusia probablemente vieron la escultura de madera como una obra de arte imbuida de un significado ritual.

Más de un siglo después de su descubrimiento, los arqueólogos continúan descubriendo sorpresas sobre este asombroso artefacto. Como Thomas Terberger, un estudioso de la prehistoria en la Universidad de Göttingen en Alemania, y sus colegas escribieron en la revista Quaternary International en enero, una nueva investigación sugiere que la escultura es 900 años más antigua de lo que se pensaba.

Basado en un análisis extenso, el equipo de Terberger ahora estima que el objeto probablemente fue creado hace unos 12.500 años, al final de la Última Edad de Hielo. Sus antiguos creadores tallaron el trabajo de un solo alerce con 159 anillos de crecimiento, escriben los autores en el estudio.

“El ídolo fue tallado durante una era de gran cambio climático, cuando los bosques tempranos se extendían a través de una Eurasia más cálida desde el glaciar tardío hasta el posglacial”, le dice Terberger a Franz Lidz del New York Times.

“El paisaje cambió, y el arte, diseños figurativos y animales naturalistas pintados en cuevas y tallados en roca, también lo hizo, quizás como una forma de ayudar a las personas a enfrentarse a los entornos desafiantes que encontraban”.

Según Sarah Cascone de Artnet News, los nuevos hallazgos indican que la rara obra de arte es anterior a Stonehenge, que se creó hace unos 5.000 años, en más de 7.000 años. También es dos veces más antigua que las pirámides de Egipto, que datan de hace aproximadamente 4.500 años.

Como informa el Times, los investigadores han estado desconcertados sobre la edad de la escultura de Shigir durante décadas. El debate tiene importantes implicaciones para el estudio de la prehistoria, que tiende a enfatizar una visión centrada en Occidente del desarrollo humano.

La madera utilizada para tallar el Shigir Idol tiene alrededor de 12.250 años. Shigir Idol & # 8211 la escultura de madera más antigua conocida del mundo.

En 1997, los científicos rusos fecharon el tótem con carbono en unos 9.500 años. Muchos en la comunidad científica rechazaron estos hallazgos como inverosímiles: reacios a creer que las comunidades de cazadores-recolectores en los Urales y Siberia habían creado arte o formado culturas propias, dice Terberger al Times, los investigadores en cambio presentaron una narrativa de la evolución humana que se centró Historia europea, con antiguas sociedades agrícolas en el Creciente Fértil que finalmente sembraron las semillas de la civilización occidental.

Las opiniones predominantes durante el siglo pasado agrega Terberger, que consideraba a los cazadores-recolectores como “inferiores a las primeras comunidades agrarias que surgieron en ese momento en el Levante. Al mismo tiempo, la evidencia arqueológica de los Urales y Siberia fue subestimada y descuidada ”.

En 2018, científicos, incluido Terberger, utilizaron tecnología de espectrometría de masas con acelerador para argumentar que el objeto de madera tenía unos 11.600 años. Ahora, la última publicación del equipo ha retrasado aún más esa fecha de origen.

Como informa Artnet News, los complejos símbolos tallados en la superficie de madera del objeto indican que sus creadores lo hicieron como una obra de "arte móvil" o arte portátil que tenía un significado ritual.

La coautora Svetlana Savchenko, curadora a cargo del artefacto en el Museo Regional de Conocimientos Locales de Sverdlovsk, le dice al Times que las ocho caras pueden contener referencias encriptadas a un mito de la creación o al límite entre la tierra y el cielo.

"La carpintería probablemente estuvo muy extendida durante el Glaciar Tardío hasta el Holoceno temprano", escribieron los autores en el artículo de 2018. "Vemos la escultura de Shigir como un documento de un comportamiento simbólico complejo y del mundo espiritual de los cazadores-recolectores de los Urales desde el Glacial Tardío al Mesolítico Temprano".

El hecho de que esta rara evidencia de obras de arte de cazadores-recolectores perdurara hasta los tiempos modernos es una maravilla en sí misma, señala Science Alert. El ambiente ácido y antimicrobiano de la turbera rusa conservó la estructura de madera durante milenios.

João Zilhão, un académico de la Universidad de Barcelona que no participó en el estudio, le dice al Times que la notable supervivencia del artefacto recuerda a los científicos una verdad importante: que la falta de evidencia de arte antiguo no significa que nunca existió.

Más bien, muchos pueblos antiguos crearon objetos de arte a partir de materiales perecederos que no pudieron resistir la prueba del tiempo y, por lo tanto, quedaron fuera del registro arqueológico.

“Es similar a la fábula 'Los neandertales no hicieron arte', que se basaba enteramente en la ausencia de evidencia”, dice Zilhão. “Del mismo modo, el abrumador consenso científico solía sostener que los humanos modernos eran superiores en aspectos clave, incluida su capacidad para innovar, comunicarse y adaptarse a diferentes entornos. Tonterías, todo eso ".

Jefe del ídolo de Shigir, la escultura de madera más antigua conocida del mundo.

El mensaje indescifrable del ídolo de Shigir: una estatua 3 veces más antigua que las pirámides egipcias

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El ídolo de Shigir es una antigua estatua tallada en alerce descubierta el 24 de enero de 1894 a una profundidad de 4 metros en la turbera de Shigir. Con 11.000 años de antigüedad, se considera la estatua de madera más antigua jamás descubierta, está cubierta con un mensaje indescifrable tres veces más antiguo que las pirámides de Giza.

Según los expertos, esta antigua cápsula del tiempo tiene mensajes codificados que hablan de la creación del mundo. Está cubierto con información encriptada que los investigadores aún no han logrado decodificar.

Se cree que tiene al menos el doble de antigüedad que las pirámides de Egipto. Crédito de la imagen: Constantin Voutsen

Una de las estatuas más enigmáticas jamás descubiertas en la Tierra fue descubierta por mineros de oro en los Montes Urales en 1890.

Con un mensaje codificado grabado en su superficie, el Shigir Idol se remonta a fascinantes 11.000 años. Haciéndolo casi tres veces más antiguo que las pirámides o Stonehenge.

El enigmático ídolo de madera fue descubierto por casualidad por los mineros de oro en los Urales en 1890. El misterioso ídolo de siete caras se exhibe actualmente en el museo de Ekaterimburgo. Según los científicos, solo una de las siete caras es tridimensional.

El ídolo fue fechado en 11.000 años por dos científicos alemanes que estudiaron el artefacto en detalle durante años.

Pero nadie ha podido comprender ni descifrar el mensaje que transmite. Además, nadie ha podido explicar por qué el ídolo de Shigir, que supuestamente fue tallado por un hombre antiguo de la Edad Mesolítica, tiene ese aspecto, con una cabeza de forma ovalada, con siete caras, y por qué originalmente medía 5,3 metros. alto. Quiero decir que realmente es enorme, y tienes que preguntar por qué. ¿Por qué no construir algo más pequeño?

En una conferencia científica reciente en Ekaterimburgo, en la que participaron expertos internacionales, el profesor Mikhail Zhilin dijo que la estatua de madera, que originalmente medía 5,3 metros de altura, estaba hecha de alerce, con el sótano y la cabeza tallados con herramientas de silicona facetadas.

& # 8220La superficie fue pulida con un abrasivo de grano fino, luego de lo cual el adorno fue tallado con un cincel & # 8217, dijo el experto. Se utilizaron al menos tres, y tenían diferentes anchos de hoja, & # 8221 informa el Siberian Times.

Las siete caras del ídolo de Shigr

Los expertos concluyeron que las siete caras del ídolo fueron las “últimas en ser talladas porque, aparte de los cinceles, se utilizaron algunas herramientas muy interesantes & # 8211 hechas de mitades de mandíbulas inferiores de castor & # 8211 & # 8221. & # 8221

El profesor Zhilin añadió que: & # 8220 Los creadores se crean para tallar árboles. Si afila los dientes de un cortador de castor # 8217, obtendrá una excelente herramienta que es muy conveniente para tallar superficies cóncavas. & # 8221

Los científicos han descubierto & # 8220tools & # 8221 creadas a partir de la mandíbula de un castor en un sitio arqueológico similar llamado Beregovaya 2, que data del mismo período.

Después de estudiar el ídolo de Shigir. Los expertos creen que la herramienta es consistente con las marcas grabadas en la superficie del Idol.

& # 8220Por ejemplo, al hacer agujeros más circulares & # 8221, dijo Svetlana Panina, jefa del departamento de arqueología del Museo Regional de Historia Local de Sverdlovsk.

Y si bien es posible que hayamos descubierto con qué marcas misteriosas se hicieron en la superficie del ídolo, todavía no hemos podido comprender el propósito exacto del ídolo de Shigir, el mensaje que transmite y por qué se ve cualquier cosa menos lo que parecía el hombre antiguo. como hace 11.000 años.

El misterioso ídolo de siete caras se exhibe en un sarcófago de vidrio en un museo en Ekaterimburgo. Credito de imagen

¿Qué intentaban decir los creadores de Idol? ¿Qué mensaje grabó el hombre antiguo hace 11.000 años en la superficie del ídolo? ¿Y por qué sus creadores decidieron "componer" un ídolo tan enorme, de 5,3 metros de altura, en primer lugar?

Una vista lateral del Shigir Idol. Credito de imagen

El profesor Zhilin, que es un científico destacado en la Academia de Ciencias de Rusia y el Instituto de Arqueología # 8217 ha expresado previamente su & # 8216 sentimiento de asombro & # 8217 al estudiar el ídolo, que es casi tres veces más antiguo que las pirámides de Giza y Stonehenge en Inglaterra.

& # 8220 Esta es una verdadera obra maestra, y tiene un enorme valor emocional y fuerza, & # 8221, dijo. & # 8220Es una de las esculturas más singulares jamás encontradas, no hay nada como esto en todo el mundo. Es muy vivo y muy complicado al mismo tiempo. Toda la estatua está cubierta con nada más que información encriptada. La gente estaba transmitiendo conocimientos con la ayuda del ídolo & # 8221, agregó el profesor Zhilin.

Los expertos que estudian el ídolo han concluido unánimemente cómo los mensajes grabados en el ídolo siguen siendo un & # 8220 un absoluto misterio para el hombre moderno & # 8221.


Contenido

El marfil no se obtiene sólo de los elefantes, cualquier diente o colmillo de animal utilizado como material para tallar puede denominarse "marfil", aunque la especie suele añadirse y se han utilizado un gran número de especies diferentes con colmillos o dientes grandes. Los dientes tienen tres elementos: el esmalte dental externo, luego el cuerpo principal de dentina y la raíz interna de osteo-dentina. Para el propósito de tallar, los dos últimos son en la mayoría de los animales utilizables, pero el esmalte más duro puede ser demasiado difícil de tallar y debe quitarse primero esmerilando. Este es el caso del hipopótamo, por ejemplo, cuyo esmalte dental (en los dientes más grandes) es casi tan duro como el jade. El marfil de elefante, además de presentarse en las piezas más grandes, es relativamente suave y uniforme, y es un material ideal para tallar. La especie de animal de la que proviene el marfil generalmente se puede determinar mediante un examen bajo luz ultravioleta, donde los diferentes tipos muestran diferentes colores. [2]

El marfil de elefante euroasiático se obtenía generalmente de los colmillos de los elefantes en la India, y en la época romana, el norte de África del África subsahariana del siglo XVIII se convirtió en la fuente principal. La recolección de marfil llevó a la extinción, o casi a la extinción, de los elefantes en gran parte de su área de distribución anterior. En el norte de la Europa medieval temprana, el marfil de morsa se comerciaba al sur desde lugares tan lejanos como Groenlandia nórdica hasta Escandinavia, el sur de Inglaterra y el norte de Francia y Alemania. En Siberia y el Ártico de América del Norte, los colmillos de mamut podían recuperarse del permafrost y utilizarlos se convirtió en un gran negocio en el siglo XIX, con convictos utilizados para gran parte del trabajo. La Venus de Brassempouy de 25.000 años de antigüedad, posiblemente la primera imagen real de un rostro humano, fue tallada en marfil de mamut sin duda recién matada. En el norte de Europa, durante la Alta Edad Media, el marfil de morsa se obtenía más fácilmente de los comerciantes vikingos, y los asentamientos nórdicos posteriores en Groenlandia que el marfil de elefante del sur en este momento, probablemente se encontraban morsas mucho más al sur de lo que se encuentran hoy. [4] Los dientes de cachalote son otra fuente, y el tallado de huesos se ha utilizado en muchas culturas sin acceso al marfil, y como alternativa mucho más barata [5] en la Edad Media, a menudo se utilizaba el hueso de ballena, ya sea de la industria ballenera vasca o natural. varamientos. [4]

Antigüedad y época medieval temprana Editar

Las esculturas criselefantinas son figuras hechas de una mezcla de marfil, generalmente para las partes de la carne, y otros materiales, generalmente dorados, para las partes vestidas, y se utilizaron para muchas de las estatuas de culto más importantes de la antigua Grecia y otras culturas. Estos incluyeron la enorme Atenea Partenos, la estatua de la diosa griega Atenea hecha por Fidias y el foco del interior del Partenón en Atenas. [7] El marfil sobrevivirá muy bien si está seco y no hace calor, pero en la mayoría de los climas no suele sobrevivir mucho tiempo en el suelo, por lo que nuestro conocimiento del marfil griego antiguo es limitado, mientras que un número razonable de piezas de la época tardorromana, en su mayoría placas de dípticos, han sobrevivido sobre el suelo, por lo general terminan en las tesorerías de la iglesia.

El marfil se utilizó en el Palacio de Darío en Susa en el Imperio aqueménida, según una inscripción de Darío I. La materia prima fue traída de África (Nubia) y del sur de Asia (Sind y Arachosia). [8]

Sin duda, las versiones de figurillas y otros tipos de objetos que sobreviven en la cerámica romana antigua y otros medios también se hicieron en marfil, pero las supervivencias son muy raras. Han sobrevivido unos pocos ataúdes romanos con placas de marfil con tallas en relieve, y tales objetos se copiaron en la Alta Edad Media: el ataúd de Franks en hueso es una versión anglosajona del siglo VIII y el cofre de Veroli una bizantina de aproximadamente 1000 Ambos incluyen escenas mitológicas, respectivamente germánicas y clásicas, que se encuentran en pocas otras obras de estos períodos.

La obra de arte de la Antigüedad tardía más importante hecha de marfil es el Trono de Maximiano. los cátedra de Maximiano, obispo de Rávena (546-556), estaba completamente cubierto con paneles de marfil. Probablemente fue tallado en Constantinopla y enviado a Ravenna. Consiste en paneles florales decorativos que enmarcan varios paneles con figuras, incluido uno con el complejo monograma del obispo. [9]

Los dípticos consulares tardorromanos fueron obsequiados por los cónsules, funcionarios civiles que desempeñaron un importante papel administrativo hasta el 541, y consistieron en dos paneles tallados en el exterior unidos por bisagras con la imagen del cónsul. La forma fue adoptada más tarde para uso cristiano, con imágenes de Cristo, la Theotokos y santos. Fueron utilizados por una persona para la oración.

Estos paneles de marfil se utilizaron como cubiertas de libros desde el siglo VI, generalmente como pieza central de un marco de orfebrería y gemas. a veces se ensambla a partir de hasta cinco paneles más pequeños debido al ancho limitado del colmillo. Esta asamblea sugirió un arreglo compositivo con Cristo o María en el centro y ángeles, apóstoles y santos en los paneles laterales. Se utilizaron cubiertas de marfil tallado para encuadernaciones de tesoros en los manuscritos iluminados más preciosos. Muy pocos de los marcos de metal con joyas para encuadernaciones de tesoros han sobrevivido intactos, pero sobrevive un número razonablemente alto de placas de marfil que alguna vez se usaron en encuadernaciones.

Alta medieval en adelante Editar

Las obras de marfil bizantinas típicas posteriores al período iconoclasta fueron trípticos. Entre los ejemplos más notables se encuentra el Tríptico de Harbaville del siglo X con muchos paneles figurativos. Tales trípticos bizantinos solo podrían haberse utilizado para la devoción privada debido a su tamaño relativamente pequeño. Otro famoso tríptico de marfil del siglo X es el Tríptico Borradaile en el Museo Británico, con una sola imagen central (la Crucifixión). El marfil Romanos es similar a los trípticos religiosos, pero su panel central muestra a Cristo coronando al emperador Romanos y a la emperatriz Eudokia. Hay diferentes teorías sobre qué gobernante bizantino se hizo para el tríptico. Una posible solución es Romanos II que da la fecha de producción entre 944 y 949. Parece que la talla de marfil disminuyó o desapareció en gran parte en Bizancio después del siglo XII.

Europa occidental también hizo polípticos, que en el período gótico generalmente tenían paneles laterales con niveles de escenas narrativas en relieve, en lugar de las filas de santos preferidos en las obras bizantinas. Estos eran generalmente del Vida de la virgen o Vida de cristo. Si se trataba de un tríptico, el panel principal generalmente presentaba una escena hierática a mayor escala, pero eran comunes los dípticos con escenas narrativas. El arte occidental no compartía las inhibiciones bizantinas sobre la escultura redonda: los relieves se volvieron cada vez más altos y las estatuas pequeñas eran comunes, que representaban gran parte de las mejores obras. Las piezas de ajedrez y de juego a menudo eran grandes y elaboradamente talladas. Las piezas de ajedrez de Lewis se encuentran entre las más conocidas.

Los olifantes eran cuernos hechos con la punta del colmillo de un elefante, generalmente tallados en al menos parte de su superficie. Quizás eran más para exhibición que para cazar.

La mayoría de los marfiles medievales estaban dorados y coloreados, a veces por todas partes y, a veces, solo en partes del diseño, pero por lo general solo sobreviven escasos rastros del color de la superficie, muchos fueron restregados por comerciantes del siglo XIX. Sin embargo, un buen número de marfiles góticos sobreviven con el color original en buenas condiciones. La tasa de supervivencia de los paneles de marfil siempre ha sido relativamente alta en comparación con los medios de lujo equivalentes como el metal precioso porque un panel delgado de marfil no se puede reutilizar, aunque algunos se han volteado y tallado de nuevo en el reverso. La mayoría de las placas de las cubiertas de los libros están ahora desprendidas de sus libros originales y sus marcos de metal, muy a menudo porque estos últimos se han quitado por romperse en algún momento. Igualmente son más robustos que los cuadros pequeños. Las obras de marfil siempre han sido valoradas y por su tasa de supervivencia y portabilidad fueron muy importantes en la transmisión del estilo artístico, especialmente en el arte carolingio, que copió y varió muchos marfiles de la Antigüedad tardía.

El marfil se hizo cada vez más disponible a medida que avanzaba la Edad Media, y el centro de talla más importante se convirtió en París, que tenía una producción prácticamente industrial y se exportaba a toda Europa. Las piezas seculares, o religiosas para laicos, fueron reemplazando gradualmente la producción para el clero. Entre los productos típicos se encontraban estuches de espejos, piezas de juego, cajas y peines, así como pequeños dípticos y trípticos religiosos personales. [7] El cofre con escenas de romances (Walters 71264) es un ejemplo de un pequeño grupo de cajas muy similares, probablemente presentado por un futuro novio a su futura esposa, que reúne una serie de escenas extraídas de la literatura romántica medieval.

El marfil nunca fue tan importante después de finales de la Edad Media, pero siguió utilizándose para placas, pequeñas figuras, especialmente el "corpus" o cuerpo en un crucifijo, abanicos, elaborados mangos para cubiertos y una gran variedad de otros objetos. [7] Dieppe en Francia se convirtió en un centro importante, especializado en ornamentados calados y modelos de barcos, y Erbach en Alemania. Kholmogory ha sido durante siglos un centro para el estilo ruso de talla, una vez en marfil de mamut, pero ahora principalmente en hueso. [11] Scrimshaw, por lo general una forma de grabado en lugar de tallar, es un tipo de arte principalmente ingenuo practicado por balleneros y marineros en dientes de cachalote y otro marfil marino, principalmente en los siglos XVIII y XIX. El marfil se usó para las bolas de juegos de mesa como el billar y el snooker hasta finales del siglo XIX, incluso cuando se volvieron mucho más populares. Otros usos fueron para las teclas blancas de los instrumentos de teclado y los mangos de los cubiertos, a veces elaboradamente tallados.

El marfil es un material muy adecuado para los intrincados patrones geométricos del arte islámico y se ha utilizado mucho para cajas, incrustaciones en madera y otros fines. Desde el 750 al 1258 d.C., [12] el mundo islámico era más próspero que Occidente y tenía un acceso mucho más fácil al marfil de la India y África, por lo que el uso islámico del material es notablemente más generoso que el europeo, con muchos ataúdes bastante grandes. , cajas redondas que usan una sección completa de colmillo (izquierda) y otras piezas. El calado, donde se corta un panel de marfil para partes del diseño, es muy común, al igual que en la carpintería islámica. Como muchos aspectos del marfil islámico, esto refleja las tradiciones bizantinas que el Islam heredó. El aniconismo islámico a menudo se aplicaba de manera menos estricta en pequeñas obras decorativas, y muchos marfiles islámicos tienen encantadoras figuras de animales y figuras humanas, especialmente cazadores. [13] [14]

Córdoba, España Editar

El marfil tuvo importancia durante el califato omeya en Córdoba, España. Los omeyas fueron una de las primeras dinastías islámicas en promover el Islam a través del arte, la arquitectura y la autoridad política. Aunque principalmente presente en la península arábiga, Córdoba, España, sirvió como un hito destacado para la expansión oriental del Islam bajo el califato omeya. [15] Los féretros de marfil encontrados en la Península Ibérica probablemente fueron construidos en los talleres de Madinat al-Zahra, un palacio omeya en Córdoba. [16] Los contenedores estaban intrincadamente tallados, con motivos de escenas de caza, motivos florales, diseños geométricos y escritura cúfica. Uno de los edificios más importantes construidos durante la presencia omeya en España fue Madinat al-Zahra, un palacio-suburbio en la ciudad de Córdoba. [17] El palacio fue el centro del gobierno administrativo y político. Como otros edificios islámicos del siglo X, el arte y la arquitectura que rodeaban el palacio reflejaban la inserción del Islam en la sociedad.

Los objetos producidos en entornos cortesanos se hicieron para figuras políticas y religiosas de élite, a menudo proclamando la resistencia del califato en ese momento. [18] Pyxis de al-Mughira describe estos temas, utilizando imágenes simbólicas de leones, caza y abundantes ornamentos vegetales. Este Pyxis está muy detallado y completamente cubierto de decoración. Al igual que las bandas de texto a lo largo de la parte superior del contenedor, las imágenes están destinadas a ser percibidas de derecha a izquierda, y contienen varias escenas que completan una visualización unificada. [16] El uso del simbolismo tuvo éxito en estas obras porque en lugar de celebrar un califa específico, las figuras y los animales recuerdan la prevalencia del Islam en su conjunto. [19] Los leones eran un símbolo común de éxito, poder y monarquía. Además, las imágenes vegetales y florales mostraron abundancia, y en el contexto de muchas tallas de marfil, fertilidad y feminidad. [16] Las mujeres de la corte eran a menudo las destinatarias de estos recipientes de marfil, para bodas o ceremonias. Los contenedores se utilizaron para guardar joyas o perfumes, incorporando así un ambiente íntimo para el contenedor, el propietario y el contenido. El delicado carácter del marfil se utilizó para crear una relación entre el objeto y la mujer para la que fue creado. Muchos contenedores también incluían frases poéticas que activaban el objeto, llamando la atención sobre sus características visuales. En una Pyxis de Zamora (derecha), la inscripción dice: "La vista que ofrezco es la más hermosa, el pecho firme de una delicada doncella. La belleza me ha revestido de espléndidos vestidos que hacen alarde de joyas. Soy un receptáculo para almizcle, alcanfor y ámbar gris ". [dieciséis]

La India fue un importante centro de talla de marfil desde la antigüedad, como lo demuestran los marfiles de Begram.

Murshidabad, en el estado de Bengala Occidental, India, era un famoso centro de talla de marfil. Un juego de mesa y sillas de marfil, que se exhibe en el Victoria Memorial, Kolkata, es un exquisito ejemplo de talla realizada por los talladores de Murshidabad. Esta silla es un sillón de cinco patas, donde tres patas culminan en la garra del tigre mientras que las dos restantes culminan en la cabeza del tigre con la boca abierta. La mesa y la silla tienen un excelente motivo floral perforado (trabajo de jaali) con rastros de baño de oro. Esta mesa y silla fue presentada al museo por Maharaja de Darbhanga. Los talladores de Murshidabad llamaron al extremo sólido del colmillo de elefante como Nakshidant, parte media como Khondidant y un extremo hueco grueso como Galhardant. [20] Preferían usar el extremo sólido del colmillo de elefante para su trabajo. Todavía se pueden ver ejemplos espectaculares de esta artesanía en la Puerta Darshan del Templo Dorado en Amritsar y en la puerta de entrada del Memorial de Tipu Sultan en Mysore.

La talla de marfil también prevaleció en el sur de la India, especialmente en Mysore y Tamil Nadu, y también en Uttar Pradesh y Rajasthan. Los marfiles de Sri Lanka también fueron una tradición destacada.

El marfil no era un material prestigioso en la estricta jerarquía del arte chino, donde el jade siempre ha sido mucho más apreciado, y el cuerno de rinoceronte, que no es marfil, tenía una posición auspiciosa especial. [21] Pero el marfil, así como el hueso, se ha utilizado para varios artículos desde los primeros tiempos, cuando China todavía tenía su propia especie de elefante; la demanda de marfil parece haber jugado un papel importante en su extinción, que se produjo antes del 100 a. C. . A partir de la dinastía Ming, el marfil comenzó a usarse para pequeñas estatuillas de dioses y otros (ver galería). En la dinastía Qing se adaptó al creciente gusto por el tallado intrincado y se hizo más prominente, siendo utilizado para portaescobillas, cajas, manijas y piezas similares, y más tarde Canton desarrolló grandes modelos de casas y otras piezas grandes y llamativas, que siguen siendo populares. . [22] Todavía se ven enormes ejemplos como piezas centrales decorativas en las recepciones gubernamentales. Figures were typically uncoloured, or just with certain features coloured in ink, often just black, but sometimes a few other colours. A speciality was Chinese puzzle balls, consisting of openwork that contained a series of smaller balls, freely rotating, inside them, a tribute to the patience of Asian craftsmen.

In Japan, ivory carving became popular around the Edo period in the 17th century. Kimono worn by people at that time had no pockets, and they carried small things by hanging containers called sagemono y inro de obi. los kiseru, a smoking pipe carried in a container, and the netsuke, a toggle on a container, were often decorated with fine ivory carvings of animals and legendary creatures. [23] With the start of modernization of Japan by the Meiji Restoration in the mid-1800s, the samurai class was abolished, and Japanese clothes began to be westernized, and many craftsmen lost their demand. Craftsmen who made Japanese swords and armor from metal and lacquer, and those who made netsuke y kiseru from ivory needed new demand. The new Meiji government promoted the exhibition and export of arts and crafts to the World's fair in order to give works to craftsmen and earn foreign currency, and the Imperial family cooperated to promote arts and crafts by purchasing excellent works. Japanese ivory carvings were praised overseas for their exquisite workmanship, and in Japan, Ishikawa Komei and Asahi Gyokuzan gained a particularly high reputation, and their masterpieces presented to the Imperial Family are housed in the Museum of the Imperial Collections. [23]


The oldest chainsaw artist records go back to the 1950s, which include artists Ray Murphy and Ken Kaiser. In 1952 Ray Murphy used his father's chainsaw to carve his name into a piece of wood. In 1961 Ken Kaiser created 50 carvings for the Trees of Mystery.

Many new artists began to experiment with chainsaw carving, including Brenda Hubbard, Judy McVay, Don Colp, Cherie Currie (former Runaways lead singer), Susan Miller, Mike McVay, and Lois Hollingsworth. At this time chainsaw carvers started loading up their carvings in the back of their trucks, functioning as traveling galleries.

In the 1980s the art form really began to grow with Art Moe getting much exposure for the craft at the Lumberjack World Championships held in Hayward, Wisconsin. This event was broadcast nationally. The addition of carving contests from the west coast to the east coast brought carvers together to test their skills and learn from each other. The first Chainsaw Carving World Championships was held in 1987 and won by then 24-year-old Barre Pinske. The 1980s also saw the development of the Cascade Chainsaw Sculptors Guild and their newsletter, The Cutting Edge, mailed out to many members throughout the Pacific Northwest and the rest of the United States. The 80's also brought the first book on chainsaw carving, Fun and Profitable Chainsaw Carving by William Westenhaver and Ron Hovde, published in 1982. [1] Other books soon followed, including a book by Hal MacIntosh published in 1988 titled Chainsaw Art and in 2001 Chainsaw Carving: The Art and Craft. He published material on chainsaw carving that predated the popularity of the Internet.

The first booking agency dedicated to promoting and preserving the integrity of performance chainsaw art was founded by Brian Ruth in 1992. It was appropriately named Masters of the Chainsaw. The company has represented some of the most respected artists in the U.S., such as Brian Ruth, Ben Risney, Josh Landry, Mark Tyoe and Marty Long, as well as select artists from other countries. In 2007, Masters of the Chainsaw, under the direction of Jen Ruth, created the first international group of female sculptors under the name Chainsaw Chix. [2] Featured in this all-female team are greats like Stephanie Huber, Angela Polglaze, Lisa Foster, Alicia Charlton, Uschi Elias, and Sara Winter.

Brian Ruth introduced the art as a performance art to Japan in 1995. Since then, he has established a division of Masters of the Chainsaw and a chainsaw carving school in Tōei, Japan. [3]

Although the general impression of the public is that it is largely performance art (because of the noise, sawdust, and very fast carving results), there are a few chainsaw carvers now producing stunning works of art. These works can be produced in a fraction of the time that would normally be expected if only conventional tools such as mallet and gouges were used. Although many carvers continue to use other tools alongside the chainsaw, the chainsaw remains the primary tool.

With the growth of the Internet, chainsaw carving has become a worldwide phenomenon with chainsaw carvers all over the world. Most Notably in Canada Carver Kings Paul and Jacob take the stage performing on HGTV's "Carver Kings" and OLN's "Saw Dogs". Along with creating large scale semi abstract center pieces that have made it to many major states. You can follow them on Youtube Here

In the United Kingdom, the English Open Chainsaw Competition draws thousands of visitors annually. In 1989 Duncan Kitson was the first British carver, with notable success, to represent Wales and The UK in international competition. His work is recognized for its individual, engineered and tactile qualities. [4] English chainsaw artist Matthew Crabb has carved the largest wooden statue of the Virgin Mary in the world, at 9 meters high, in Schochwitz, Germany. [5] Welsh veteran, Harry Thomas of Thomas Carving is highly respected in the industry and specialises in bears, along with his son Danny Thomas. Harry has appeared on ITV's Daybreak, where he carved Queen Elizabeth II's head, in celebration of her Diamond Jubilee.

In Canada, many wooden statues produced by the chainsaw artist Pete Ryan decorate the small town of Hope, British Columbia. Glenn Greensides, another Canadian artist, branched out into Japan in 1995 and visited Japan each year for 12 consecutive years to create one 5 meter tall sculpture from an exported British Columbia log depicting the upcoming year's Japanese zodiac symbol.

In Japan, the Toei Chainsaw Art Club established the World Chainsaw Art Competition, which was the first chainsaw carving competition in the country. The 2011 World Chainsaw Art Competition at the Toei Dome was to be dedicated to raising money for disaster relief due to the Fukushima Daiichi nuclear disaster that has affected the country. [6]

1999 marked the first year of the Ridgway Chainsaw Carving Rendezvous. [7] Every February hundreds of carvers go to a small town in the mountains of Pennsylvania for this event. The Chainsaw Carver Rendezvous is the biggest gathering of chainsaw carvers in the world and takes over the small town of Ridgway, Pennsylvania.

In 2010 American sculptor Bob King was awarded a "Star/Sprocket" on the Carvers Walk of Fame in Mulda, Germany, the location of the World Cup competition. This award confirms Bob has won more carving competitions than any other carver in the world to date.

In 2013, American chainsaw carver, Josh Landry, was awarded first place at the "Rally in the Valley" chainsaw carving competition. In previous years, Josh Landry was the youngest chainsaw carver participating in national and international chainsaw carving competitions.

As the art has evolved, special chainsaw blades and chains have been developed for carving. In Finland such equipment is affectionally called konepuukko ("mechanical puukko").

The chainsaw "blades" are technically known as "guide bars". For chainsaw carving these bars have very small noses (typically around 25 mm diameter). This enables the artist to create detail in the carving that would be impossible with a standard guide bar. The chains that are used on these guide bars are normally modified by reducing the length of the teeth in order that they are able to cut efficiently at the tip of the bar. The reason for this modification is that all chains manufactured currently (circa 2007) are made to be used on standard guide bars only. These "carving bars" are manufactured by "Cannon", "GB", and by a companies in Japan supplying "Stihl" and others. The other very important advantage with these guide bars is that they do not "kickback" when using the tip. they are therefore very safe to use in comparison with standard guide bars.

In order to reach the high levels of skill required to be a "chainsaw carver", a considerable amount of instruction and practice is required in the safe operation of a chainsaw. This is then followed by plenty of study and practice in carving basic shapes which then ultimately leads on to more ambitious projects. Chainsaw carvers wear protective clothing. A cut from a chainsaw is not just a cut, it actually removes a whole centimeter or more of flesh and bone. A victim can die very quickly from blood loss.

Two guilds have formed for chainsaw artists. The Cascade Chainsaw Sculptors Guild (CCSG) [8] is a nonprofit organization that was founded by a group of chainsaw artists in 1986. In 1993, the CCSG started putting out a bimonthly newsletter, "The Cutting Edge". Another nonprofit guild, United Chainsaw Carvers Guild, [9] was established in 2002 and published a quarterly newsletter titled "The Chainsaw Letter", but has since stopped publishing its newsletter. Both guilds claim to promote chainsaw art and the sharing of ideas amongst fellow artisans.


THREE TIMES OLDER THAN THE PYRAMIDS

The idol is three times as old as the Egyptian pyramids and was sculpted with the jaw of a beaver, its teeth intact.

“The word ⟞mon', for example, has a very wide range of meanings even in English - from devil to good genius,” said Dr Zhilin, a leading researcher of the academy’s Age Archeology Department.

‘‘In fact, given that we do not know the context 11,500 years ago, we cannot say exactly what the [markings on the idol] depicted.”

But he added: “Apparently these were some kind of spirits.

“Not deities, because we think that deities appeared later.”

"We must not underestimate the people who created the idol.

“They had all the necessary tools and skills - and they had a rather complicated world view.

“All the world was inhabited with different spirits.

“And not only the animals and the trees but even the stones were animated.

“We think it was something close to animism… I see in these images unity and diversity of the world around.

“And it was definitely not divided just into kind and evil spirits.”

He told the Siberian Times: “It is unlikely to be possible, at least in the near future, to speak seriously about deciphering of what is depicted there.

They had all the necessary tools and skills - and they had a rather complicated world view

Dr Mikhail Zhilin

“We do not have any written data, we do not have any analogues.”

New artists’ impressions show how the idol may have looked propped up against a rock face.

“Based on the the facts I can clearly say that it was not dug into the ground, like Totem poles,” he said.

“It was standing on a relatively hard, presumably stone, pedestal, because the lower part is flattened by strong pressure and this sculpture was quite heavy.

“It stood in this way but not for a very long time.”

German dendrologist Karl-Uwe Heussner discovered it was on display like this for no more than around two decades.

“After that a crack appeared in the middle - and a series of smaller cracks,” said Dr Zhilin.

“Then it fell into the water… there was a big Shigir paleo-lake.”

Another theory is that the idol could have been floated on a raft on the lake but “‘we have no data to confirm this”, he said.

“It was definitely standing on some stone base in the open air and there were no supports.”


How the World’s Oldest Wooden Sculpture Is Reshaping Prehistory

At 12,500 years old, the Shigir Idol is by far the earliest known work of ritual art. Only decay has kept others from being found.

Four views of the head of the Shigir Idol, a nine-foot-tall totem pole made of larch and discovered in a Russian peat bog in 1890. Credit. Sverdlovsk Regional Museum

The world’s oldest known wooden sculpture — a nine-foot-tall totem pole thousands of years old — looms over a hushed chamber of an obscure Russian museum in the Ural Mountains, not far from the Siberian border. As mysterious as the huge stone figures of Easter Island, the Shigir Idol, as it is called, is a landscape of uneasy spirits that baffles the modern onlooker.

Dug out of a peat bog by gold miners in 1890, the relic, or what’s left of it, is carved from a great slab of freshly cut larch. Scattered among the geometric patterns (zigzags, chevrons, herringbones) are eight human faces, each with slashes for eyes that peer not so benignly from the front and back planes.

The topmost mouth, set in a head shaped like an inverted teardrop, is wide open and slightly unnerving. “The face at the very top is not a passive one,” said Thomas Terberger, an archaeologist and head of research at the Department of Cultural Heritage of Lower Saxony, in Germany. “Whether it screams or shouts or sings, it projects authority, possibly malevolent authority. It’s not immediately a friend of yours, much less an ancient friend of yours.”

In archaeology, portable prehistoric sculpture is called “mobiliary art.” With the miraculous exception of the Shigir Idol, no Stone Age wood carvings survive. The statue’s age was a matter of conjecture until 1997, when it was carbon-dated by Russian scientists to about 9,500 years old, an age that struck most scholars as fanciful. Skeptics argued that the statue’s complex iconography was beyond the reach of the hunter-gatherer societies at the time unlike contemporaneous works from Europe and Asia featuring straightforward depictions of animals and hunt scenes, the Shigir Idol is decorated with symbols and abstractions.

In 2014, Dr. Terberger and a team of German and Russian scientists tested samples from the idol’s core — uncontaminated by previous efforts to conserve the wood — using accelerator mass spectrometry. The more advanced technology yielded a remarkably early origin: roughly 11,600 years ago, a time when Eurasia was still transitioning out of the last ice age. The statue was more than twice as old as the Egyptian pyramids and Stonehenge, as well as, by many millenniums, the first known work of ritual art.

A new study that Dr. Terberger wrote with some of the same colleagues in Quaternary International, further skews our understanding of prehistory by pushing back the original date of the Shigir Idol by another 900 years, placing it in the context of the early art in Eurasia.

“The idol was carved during an era of great climate change, when early forests were spreading across a warmer late glacial to postglacial Eurasia,” Dr. Terberger said. “The landscape changed, and the art — figurative designs and naturalistic animals painted in caves and carved in rock — did, too, perhaps as a way to help people come to grips with the challenging environments they encountered.”

Written with an eye toward disentangling Western science from colonialism, Dr. Terberger’s latest paper challenges the ethnocentric notion that pretty much everything, including symbolic expression and philosophical perceptions of the world, came to Europe by way of the sedentary farming communities in the Fertile Crescent 8,000 years ago.

“Ever since the Victorian era, Western science has been a story of superior European knowledge and the cognitively and behaviorally inferior ‘other,’” Dr. Terberger said. “The hunter-gatherers are regarded as inferior to early agrarian communities emerging at that time in the Levant. At the same time, the archaeological evidence from the Urals and Siberia was underestimated and neglected. For many of my colleagues, the Urals were a very terra incognita.”

To João Zilhão, a paleoanthropologist at the University of Barcelona who was not involved in the study, the take-home message of the research is that absence of evidence is not evidence of absence.

“It’s similar to the ‘Neanderthals did not make art’ fable, which was entirely based on absence of evidence,” he said. “And then the evidence was found and the fable exposed for what it was. Likewise, the overwhelming scientific consensus used to hold that modern humans were superior in key ways, including their ability to innovate, communicate and adapt to different environments. Nonsense, all of it.”

Dr. Zilhão said the Shigir Idol findings revealed the extent to which preservation biases affect our understanding of Paleolithic art. “Most of the art must have been made of wood and other perishables,” he said. “Which makes it clear that arguments about the wealth of mobiliary art in, say, the Upper Paleolithic of Germany or France by comparison to southern Europe, are largely nonsensical and an artifact of tundra (where there are no trees and you use ivory, which is archaeologically visible) versus open forest environments (where you’d use wood, which is archaeologically invisible).”

Olaf Jöris, of the Leibniz Research Institute for Archaeology, agreed. “The new Shigir evidence makes archaeologists daydream of how the archaeological record may have looked if wooden remains had been preserved in greater abundance,” he said.

The Shigir Idol, named for the bog near Kirovgrad in which it was found, is presumed to have rested on a rock base for perhaps two or three decades before toppling into a long-gone paleo-lake, where the peat’s antimicrobial properties protected it like a time capsule. In the mid-19th century, gold was discovered beneath the mire, and the landowner, Count Alexey Stenbok-Fermor, hired laborers to mine the open-air site for ore. He instructed them to save any other objects they unearthed.

Thirteen feet down the idol was discovered, and retrieved in 10 fragments. The pieces were carted 60 miles to Yekaterinburg, the city where, 28 years later, the last czar of the Russian Empire, Emperor Nicholas II his wife, Alexandra and their children would be executed by the Bolsheviks. In Yekaterinburg, the count’s donation was displayed with bone arrowheads, slotted bone daggers, a polished elk antler and other ancient bog finds at the Urals Natural Sciences Society, today known as the Sverdlovsk Regional Museum of Local Lore.

The director of the museum allowed the railroad stationmaster, Dmitry Lobanov, an aspiring archaeologist, to assemble the main fragments into a nine-foot-tall figure with legs crossed tightly in a pose that potty-training parents of any epoch might recognize.

“It was not a scientific construction,” said the archaeologist Mikhail Zhilin of the Russian Academy of Sciences, a co-author of the new study. The idol stayed locked in that uncomfortable position until 1914, when the archaeologist Vladimir Tolmachev suggested incorporating the remnants into the finished work — increasing its height to almost 17 and a half feet. Much of the bottom half later went missing Mr. Tolmachev’s sketches of the section are all that remain.

For more than a century, the Shigir Idol was considered a curiosity, assumed to be at most a few thousand years old. The radiocarbon analysis in 1997 was greeted with derision by some scientists who found the conclusions implausibly old. Some doubters even suggested that the statue was a forgery.

Dr. Terberger and his colleagues have settled that question in their new study, demonstrating conclusively that the larch was a literal tree of knowledge. The timber was at least 159 years old when the ancient carpenters began to shape it.

“The rings tell us that trees were growing very slowly, as the temperature was still quite cold,” Dr. Terberger said. Given the speed with which larch logs rot and warp, the researchers determined that the idol was fashioned from a tree that had just been cut. And from the widths and depths of the markings, Dr. Zhilin deduced that the cuts were made by at least three sharp chisels, two of which were probably polished stone adzes and the other possibly the lower jaw of a beaver, teeth intact. (On the subject of beaver mandibles, Dr. Terberger respectfully disagrees. “During the period of rapid cooling from about 10,700 B.C. to 9,600 B.C. that we call the Younger Dryas, no beavers should have been around in the Transurals,” he said.)

And what do the engravings mean? Svetlana Savchenko, the artifact’s curator and an author on the study, speculates that the eight faces may well contain encrypted information about ancestor spirits, the boundary between earth and sky, or a creation myth. Although the monument is unique, Dr. Savchenko sees a resemblance to the stone sculptures of what has long been considered the world’s oldest temple, Göbekli Tepe, whose ruins are in present-day Turkey, some 1,550 miles away. The temple’s stones were carved around 11,000 years ago, which makes them 1,500 years younger than the Shigir Idol.

Marcel Niekus, an archaeologist with the Foundation for Stone Age Research in the Netherlands, said that the updated, older age of the Shigir Idol confirmed that it “represents a unique and unparalleled find in Europe. One could wonder how many similar pieces have been lost over time due to poor preservation conditions.”

The similarity of the geometric motifs to others across Europe in that era, he added, “is evidence of long-distance contacts and a shared sign language over vast areas. The sheer size of the idol also seems to indicate it was meant as a marker in the landscape that was supposed to be seen by other hunter-gatherer groups — perhaps marking the border of a territory, a warning or welcoming sign.”

Dr. Zhilin has spent much of the last 12 years investigating other peat bogs in the Urals. At one site he uncovered ample evidence of prehistoric carpentry — woodworking tools and a massive pine plank, roughly 11,300 years old, that he believes had been smoothed with an adze. “There are many more unexplored bogs in the mountains,” Dr. Zhilin said. Unfortunately, there are no ongoing excavations.

During a recent video conversation from his home in Moscow, Dr. Zhilin asked his interviewer in the United States: “What do you think is the hardest thing to find in the Stone Age archaeology of the Urals?”


Ivory Carving (35,000 BCE - present)


Close-up of Queen Figurine from the
12th-Century walrus ivories, known as
The Lewis Chessmen.
British Museum.

Introduction: What is Ivory? Characteristics, Uses

Ivory is a type of dentine - a hard, dense bony tissue which forms most of the teeth and tusks of animals - which has been used for millennia as a material for carving sculpture (mostly small-scale relief sculpture or various types of small statue) and other items of decorative art (such as carved ivory covers for illuminated manuscripts, religious objects, and boxes for costly objects), as well as a range of functional items (piano keys, billiard balls). Ivory was valued by both artists and patrons for its rarity, exceptional durability, and was especially prized among sculptors for its creamy colour, smooth texture and soft sheen. The art of ivory carving (including scrimshaw engraving) has been part of the cultures of many different civilizations including those of Egypt, Ancient Greece, Rome, Russia, Japan, China, and India. In addition it was an integral element in the plastic art of Islam, the Medieval Carolingian and Ottonian eras, as well as the Byzantine, Gothic and Renaissance periods. It also features in American Indian art, notably of the Inuit and northwest USA. Although less common than bronze or marble sculpture, ivory carving has produced some of the greatest sculptures in the history of art. The fact that ivory - unlike other precious materials - cannot be melted down or re-used was a major factor in its endurance as one of the most specialized of traditional crafts.

As far as prehistoric art was concerned, mammoth tusks and reindeer horn were the most commonly used types of ivory. Since then, elephant ivory has predominated, with appalling consequences for the African elephant in particular. In 1831, the demand for ivory in Britain, alone, led to the deaths of an estimated 4,000 elephants, while during the decade of the 1980s, roughly 70,000 African elephants a year were killed for their tusks. Today, thanks to the Convention on International Trade in Endangered Species (CITES), ivory carving is now illegal in most circumstances around the globe. Since 2007, as a result of pressure from the International Fund for Animal Welfare, all ivory products, including carvings and sculptures, have been banned from eBay. The illicit ivory trade continues, however, so looking ahead, one can only hope that vegetable ivory (the nickname for a type of hard nut found in Columbia, Ecuador and Peru) will gradually replace the use of animal tooth and tusk ivory from endangered species.

Ivory Carving Techniques

Ivory carving tools and methods changed little up until the end of the 19th century. Carvers used an adz, axe or chisel for stripping the outer rind from the tusk, then a saw for cutting the tusk into manageable sections and then an implement known as a float to pare the surface. Only then would the carver resort to his fretsaws, gauges and hand chisels in order to actually carve the piece. All this changed, however, around 1900, when power-driven rotary saws and dental-type drills were introduced. These fast, powerful, labour-saving machine tools revolutionized ivory carving and, by 1950, were in widespread use around the world.

History/Traditions of Ivory Carving

Stone Age Ivories
Although wood carving was the main type of prehistoric sculpture, little evidence of it survives, due to its perishable nature. But Stone Age art does feature a wide range of works carved from tusks and bone, as exemplified by the Ivory Carvings of the Swabian Jura (c.33,000-30,000 BCE) - a variety of human and animal figures found in a number of different Paleolithic rock shelters, including the famous Lion Man of Hohlenstein-Stadel (c.38,000 BCE). Other well known examples of this type of Paleolithic art include several of the mysterious Venus figurines, such as the Venus of Hohle Fels (35,000 BCE), the Venus of Brassempouy (23,000 BCE), the Venus of Kostenky (22,000 BCE), the Avdeevo Venuses (20,000 BCE), the Zaraysk Venuses (c.20,000 BCE) and the Mal'ta Venuses (20,000 BCE). For a later Russian ivory carving, see: Venus of Eliseevichi (14,000 BCE).

Ancient Egypt (c.5500-700 BCE)
Carvings from elephant ivory and hippopotamus teeth appeared at a very early stage in Egyptian sculpture (c.5500 BCE onwards), especially during the Naquada I Period (4000-3500 BCE) of Neolithic art. Noted works have included: statuettes of King Khufu, relief sculptures engraved on ivory slabs, decorative items like casket inlays, amulets, and a range of utensils. Ivories were also carved in Mesopotamian sculpture (3000-500) - see Carved Ivory Lid of a Syrian Cosmetics box (1250, Louvre Museum, Paris). The Egyptian traditions of ivory carving in relief and ivory inlays/overlays were developed further by Phoenician artists (see for instance Lioness Devouring a Boy, c.800 BCE, British Museum, London), by Syrian artists (see for instance the Cosmetics Box Lid, c.1250 BCE, Louvre Museum, Paris), and by Minoan and Mycenean sculptors, during the period (c.1700-700 BCE). Note: In China, during this period, jade carving was the most prestigious form of carving.

Ancient Greece (c.500-100 BCE)
Ivory carving was a regular feature of Greek sculpture, although few ivories of any significance have survived. However, known masterpieces include the large-scale Chryselephantine sculpture (made from ivory, for the flesh parts and whites of the eyes, and gold for clothes) made by Phidias (c.488-431 BCE), the foremost Greek sculptor of the period. These included the statue of a seated Zeus in the temple at Olympia, and the figure of the Greek goddess Athena in the Parthenon at Athens.

Rome (c.100 BCE - 300 CE)
Roman sculpture was designed to encapsulate the glory and grandeur of Ancient Rome, and thus focused on large scale historical reliefs, imperial statues and busts. As a result, Roman sculptors added little to the tradition of ivory carving, except for the production of a number of personal ivory plaques, or hinged panels (in diptych style) - a sort of ancient business card issued by the Consuls. (A typical example is, for example, the Plaque from the Diptych of Consul Areobindus, 506 CE, National Museum of Middle Ages, Paris.) During the era of early Christian art (c.150-550), these engraved ivory panels were adapted by Christian sculptors, for use as devotional items.

Early Christian Ivories (c.300-450)
Persecution of the early Christians compelled early Christian sculpture to be small-scale and portable, a form to which ivory was ideally suited. Moreover, the Old and New Testaments of the Bible provided carvers with a rich source of iconographic imagery, as exemplified by the Brescia Casket (c.300-400 CE). Indeed, from hereon, small-scale religious images dominated ivory carving up to the Renaissance era.

Byzantine Ivory Carving (c.450-1100)
The sack of Rome (c.450) left the Eastern Roman capital of Byzantium (Constantinople) as the centre of Christianity and Christian art. This Eastern Orthodox world of Byzantine art continued to disapprove of large-scale religious sculpture and therefore embraced smaller-scale ivory carving. See, for example, the figurative masterpiece Ariadne and Her Cortege (510 CE, National Museum of Middle Ages, Paris) and the Barberini Diptych (c.500-550, Louvre Museum, Paris). A major work of religious art, from this period, made in Constantinople and shipped to Ravenna, is the Throne of Maximianus, bishop of Ravenna (546-556). (See also: Christian Art, Byzantine Period.) No important Byzantine ivory carving has survived from the period (c.600-800), although there are a number of magnificent surviving reliefs from the 10th and 11th centuries, as well as several outstanding triptychs. These include the Harbaville Triptych (c.900-1000) and the Borradaile Triptych.

Anglo-Saxon Ivory Carving (c.700-900)
If Constantinople continued to disapprove of large-scale religious sculpture, things were different in the West. Beginning with the culture of King Charlemagne at Aachen, ivory carving lost its dominance while monumental sculpture gradually became more important. Even so, small-scale sculpture in metalwork, bone and ivory was still popular among Anglo Saxon artists, who created works using imported walrus and whale ivory, as exemplified by the Franks Casket (c.700-800). This work contains an extraordinary mixture of pagan, historical and Christian imagery, with inscriptions in Old English and Latin. Another Anglo-Saxon masterpiece, which illustrates the trend away from small scale reliefs and the like, is the set of walrus ivory Lewis Chess Pieces (c.1175, British Museum, London).

Carolingian (750-900): Ottonian (900-1050)
Walrus tusks remained a popular feature in Carolingian art. Carvers turned them into religious objects such as crucifixes, reliquaries and other containers for holy relics, as well as cover panels for illuminated manuscripts and prayer books. These traditions were maintained and developed during the era of Ottonian art. Examples include the Carolingian ivory plaques David and St Gerome (c.790, Louvre Museum, Paris) and St Gregory with His Scribes (c.865, Kunsthistorisches Museum, Vienna), and the Ottonian ivory relief sculptures Otto I Presenting a Model of His Church to the Enthroned Christ (c.965, Metropolitan Museum of Art, New York) and Coronation of Emperor Otto II and Theophanu (c.982, National Museum of Middle Ages, Paris).

Romanesque and Gothic (1000-1400)
Fine art changed direction during the period of Romanesque art and the subsequent era of Gothic art. The emphasis on decoration of religious and ecclesiastical objects was supplanted by a focus on architectural decoration, triggered by the new and widespread building of cathedrals and monastic churches. Stone sculpture, monumental painting and stained glass art now took centre stage, while ivory sculpture was seen as a minor art, albeit a highly specialized one. It was during this period that Paris became the leading centre for ivory carving, exporting works throughout Europe and the Mediterranean, including gaming pieces, small boxes, devotional diptychs, crucifixes, plaques, and other utilitarian objects. (A typical Romanesque religious plaque is the Journey to Emmaus and the Noli Me Tangere, 1120, Metropolitan Museum of Art, New York.) Other centres of medieval ivory engraving were Dieppe (France) and Erbach (Germany).

Decline in the West (1400-present)
As you might expect, Renaissance sculptors (1400-1600) took ivory carving to a new level of sophistication, although demand remained stagnant. This was partly because of the greater availability and lower cost of wood which became the leading medium for small sculpture, especially north of the Alps, under master carvers such as Veit Stoss (1445-1533), Tilman Riemenschneider (1460-1531) and Gregor Erhart (c.1470-1540). A brief revival in ivory carving occurred in Germany and Flanders during the period of Baroque sculpture, during the 17th century, but it slumped once more during the 18th and 19th centuries, and has not recovered since, despite the growing demand for functional items. As a semi-illicit technical craft it continues to flourish in certain areas of the world, though its aesthetic worth is minimal.

Ivory Carving in the East

islam
From the time of Muhammad onwards, if not before, ivory was an idea material for the intricate abstract patterns favoured by Islamic art, and was used extensively in the Middle East, North Africa and Islamic Spain. The relative prosperity of the Islamic world coupled with its easier geographical access to both African and Indian ivories allowed its carvers to produce larger pieces, frequently incised with geometric, floral and zoomorphic arabesques.

India
Although ivory carving has been practiced in India for more than 4,000 years, few carved pieces have survived to illustrate this tradition. Those that have, however (see for instance, the mythological figure of the Hindu god Ganesha, c.1400, Metropolitan Museum of Art, New York), display imaginative designs, exquisite craftsmanship and a profligate use of precious materials! The main centres for ivory carving in India included Murshidabad, Mysore, Orissa, Tamil Nadu, Uttar Pradesh and Rajasthan.

porcelana
Although ivory is not considered quite as prestigious as other materials, such as jade or rhinoceros horn, ivory carvers have been active in China since before the era of Shang dynasty art (18th-12th century BCE) - see for instance the Shang ivory and turqoise goblets in the Chinese Academy of Social Sciences, Beijing. Elephants roamed the forests around the Yellow River for millennia until they became extinct during the Sung dynasty, so artists had easy access to a regular supply of tusks. During the Han Dynasty (206-220 CE) ivory tablets became a regular feature of formal dress, and even grew in size during the T'ang (618-907) and Sung (960-1279) dynasties. During the era of Ming dynasty art (1368-1644), ivory was used to create small statuettes of the gods and other figures. See also Chinese Buddhist Sculpture (c.100-present). During the era of Qing dynasty art (1644-1911), when Beijing and Guangzhou established themselves as the leading centres of Chinese ivory carving, the craft became more intricate and widespread. Objects carved included decorative handles, brush-holders, table screens, cylindrical brush boxes, as well as a wide range of delicately carved figurines, often coloured with stains and lacquers. Later, Chinese carvers produced snuff bottles, stands for porcelains, perfume boxes, accessories for opium smokers, as well as Mah-Jong sets and seals.

Examples of Ivory Carving can be seen in some of the best art museums and sculpture gardens around the world, notably the Louvre Museum, Paris, and the Metropolitan Museum of Art, New York.

• For more about the crafts of ivory tusk and tooth carving, or scrimshaw, see: Homepage.


What is the legacy of Ancient Greek Sculpture?

Greek sculpture broke with the artistic conventions that had prevailed for centuries in many civilizations, and instead of reproducing figures according to a prescribed formula, they were free to pursue the idealized form of the human body. Likewise, the hard, lifeless material was magically transformed into intangible qualities such as balance, humor and grace by creating some of the great masterpieces of universal art and inspiring and influencing the artists who would follow in Hellenistic and Roman times to produce more masterpieces such as the Venus de Milo. In addition, the perfection in the proportions of the human body achieved by Greek sculptors continues to inspire artists even today. The great Greek works are still consulted by 3D artists to create accurate virtual images and by athletes in sports and entertainment, who have compared athletic bodies with Greek sculptures to check the abnormal muscle development achieved through the use of banned substances such as steroids.


Ver el vídeo: HERMOSOS TALLADOS EN MADERA (Septiembre 2022).


Comentarios:

  1. Dassais

    Es posible hablar sobre este tema durante mucho tiempo.

  2. Kagalkis

    A tu mente inquisitiva :)



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